Tout savoir sur la ferronnerie d’art
La ferronnerie est une discipline qui est longtemps restée dans l’ombre. Toutefois, elle mérite d’être connue dans la mesure où elle fait des merveilles à partir du fer. Qu’est-ce qu’alors la ferronnerie? Quelles sont ses différentes branches? Quelles sont les particularités de la ferronnerie d’art? Et quels sont les impacts de la ferronnerie sur l’environnement?
La ferronnerie: Qu’est-ce que c’est?
La ferronnerie peut se définir comme étant l’art de travailler les métaux en général et le fer en particulier. Tout comme le forgeron, l’artisan ferronnier réalise la plupart de ses œuvres à la forge. Toutefois, il existe de nombreuses situations qui l’amènent à effectuer son travail à l’aide d’une étampe ou d’un marteau. Il faut également souligner le fait que certains forgerons possèdent des compétences de ferronnier.
MONTEPINO FABRICE est un ferronnier de référence dans la région de Versailles où il dirige une entreprise spécialisée dans les travaux de ferronnerie d’art. Il s’agit d’une entreprise qui garantit à sa clientèle, des créations originales, un travail soigné et une écoute attentive de tous les instants.
Ferronnerie d’art: Les Différentes branches
La ferronnerie comporte de multiples branches. Si la ferronnerie d‘art est la plus connue de toutes, il est important de souligner que la ferronnerie du bâtiment n’est pas en reste. Elle constitue en effet, une excellente option pour tous ceux qui souhaitent construire des rampes d’escaliers ou encore des gardes corps en fer forgé et ceci que ce soit dans le cadre d’une rénovation ou lors des travaux de construction.
Il y a également la ferronnerie populaire qu‘on peut assimiler à la forge à notre époque. En dehors de ces 02 branches, il faut également souligner la place importante de la ferronnerie industrielle qui intervenait autrefois à ses débuts dans la construction des bâtiments officiels ainsi que ceux des individus de la haute bourgeoisie.
Enfin, on ne saurait finir sans parler de la ferronnerie domestique qu’il ne faut surtout pas confondre avec la ferronnerie du bâtiment. La ferronnerie domestique est spécialisée dans la fabrication des ustensiles de cuisine. Cette branche utilise surtout des pièces en aluminium comme matière première.
Ferronnerie d’art: Les particularités
La ferronnerie d’art représente la branche de la ferronnerie qui s’occupe de la fabrication des objets d’art. À ses débuts, la ferronnerie d’art était surtout sollicitée pour la décoration des édifices publics, des bâtiments de la haute bourgeoisie ou encore des églises.
La ferronnerie d‘art en plus de décorer ces sites officiels, permettait également le renforcement des différentes structures en bois de ces bâtiments à commencer par les portes. En France, et plus précisément à Paris, on retrouve des œuvres exceptionnelles de la ferronnerie d’art au niveau de certaines portes de la célèbre cathédrale Notre Dame de Paris.
Il en est de même à saint Petersbourg au niveau du palais d’hiver où la décoration faite en grille de fer moulée ne laisse personne indifférent. Il est important de souligner que la ferronnerie d’art fait énormément appel à la chaudronnerie. Toutefois, elle ne constitue pas la seule branche de la ferronnerie qui fait appel à cette dernière.
Ferronnerie et protection de l’environnement
À notre époque où les questions relatives à la sauvegarde de l’environnement sont sur toutes les lèvres, il est important que chaque secteur d‘activité fasse le nécessaire pour réduire ses émissions de CO2 d’une part, et fasse la promotion du recyclage d’autre part. Ainsi, en ce qui concerne le recyclage des matériaux, la ferronnerie constitue un des secteurs d’activité qui en fait énormément.
Qu’il s’agisse des métaux ferreux comme le fer, l’acier ou la fonte; des métaux non ferreux tels que l’aluminium, le zinc ou le laiton; ou encore des métaux précieux tels que le titane ou la platine, les artisans ferronniers recyclent à peu près tout.
Le matériel indispensable pour coudre
Pour une bonne couturière, travailler avec un bon matériel est indispensable. Il existe des accessoires qui facilitent la couture et qui aident à confectionner de beaux vêtements. Cet article vous permettra de connaître tous les outils nécessaires à la confection de vêtements.
Des points essentiels à retenir sur la chaudronnerie
Actuellement, le monde s’avance dans l’utilisation de la technologie moderne et simplifiée, y compris la chaudronnerie, qui occupe une grande place dans différents domaines d’activités. Elle a pour rôle de confectionner des équipements industriels modernes, de fabriquer ou adapter des outillages en métaux, en fonction de type d’activité.
Les matériels de base de la chaudronnerie
La chaudronnerie est destinée pour l’assemblage, le montage, la création et la confection des outils en métaux ou en plastique, pour donner une forme souhaitée. Il s’agit de plier, de découper et d’assembler des parties pour réaliser vos imaginations et vos choix en dimension et en apparence.
Pour ce faire, les chaudronniers utilisent comme matériaux de base : l’inox, l’aluminium, l’acier ou le bronze. Ainsi, les ornements peuvent être effectués à l’aide de ce procédé. Et comme matériels et outillages, on recense : un poste de soudage professionnel pour l’assemblage, une forge pour la brasure accompagnée d’un découpe, des perceuses, des cintreuses, des plieuses, des meules et des bacs à acide chlorhydrique, etc. Sans oublier que la ferronnerie et la chaudronnerie nécessitent obligatoirement un atelier avec des tréteaux ou tables adaptées au matériaux à travailler.
Les produits fournis par la chaudronnerie
A part les produits ancestrales à usage quotidien, comme les vaisselles, les bouilloires, les vases, les pichets, les seaux ou marmites en métaux et les lampes à huiles ; l’art de chaudronnerie occupe un grand rôle dans le domaine industriel de nos jours, pour former les équipements sous pression dans des grandes usines, les appareils de fabrication de meubles, les outils mécaniques et les équipements en plomberie.
Ces exemples ne sont pas exhaustifs, ils restent encore d’autres équipements chaudronnés.
L’ importance de la chaudronnerie
Il existe nombreuses façons d’ appréhender l’art de chaudronnerie, qui répond généralement à vos demandes suivant vos secteurs d’activités :
a) L’utilisation des équipements chaudronnés facilite nos activités habituelles
Opter pour des outillages confectionnés en chaudronnerie est un bon choix qui facilite la vie au quotidien. Cela vous aide à avancer plus vite en termes de production, et de trouver sans cesse de nouvelles idées de création pour obtenir de meilleurs résultats dans la réalisation des activités habituelles des entreprises.
b) Les outillages chaudronnés sont très pratiques dans divers domaines
L’art de chaudronnerie est généralement utilisé dans une multitude de solutions, et applicable dans plusieurs domaines tels que :
- la menuiserie en métal comme les chaises, les tables, les tabourets, les meubles de rangement…
- le transport, pour la confection ou le revêtement des carrosseries des trains ou TGV et les châssis ;
- l’industrie automobile, pour la création ou montage des pièces mécaniques sur plans
- l’industrie navale, pour la construction des bateaux de petite et grande tailles, et les navires destinés à la guerre
- l’agroalimentaire, pour la fabrication des équipements de stockage, des mélangeurs, des tapis roulants, des machines à emballage, les récipients de stockages…
Il existe plusieurs autres domaines mais les points cités ci-dessus sont les plus pertinents.
En effet, la chaudronnerie est généralement adaptée aux différents secteurs d’activités, comme l’artisanat en sidérurgie, les secteurs industriels divers et les entreprises prestataires de services. Et comme atout, l’adoption de cet art dans votre domaine d’activité donne une bonne image de votre entreprise. Ainsi, votre système de travail est modernisé avec des résultats appréciables.
Cela s’impose de confier votre projet à des spécialistes en chaudronnerie et tôlerie qui pourront réaliser toutes vos imaginations en décoration ou à usage professionnel.
Comment faire de la poterie chez soi ?
La poterie est un art très ancien. Elle est encore utilisée aujourd’hui comme à l’époque préhistorique, lorsque les hommes et les femmes ont découvert que l’argile humide laissée au soleil séchait et durcissait. Si l’envie vous tente, n’hésitez pas à vous y lancer. De nos jours, l’art est l’un des moyens de réduire le stress. La poterie semble être un art impossible à réaliser chez soi. Mais avec ces idées de base, elle peut être réalisée dans le confort de votre maison.
Choisir la pièce dans laquelle travailler
La première chose à faire est de choisir une pièce de votre maison où vous préférez travailler. Il faut de ce fait tenir compte des matériaux, comme l’argile, qui doivent être stockés dans un endroit sec. Assurez-vous que cette pièce est aussi facile à nettoyer. L’eau courante doit y être accessible. Vous avez besoin de meubles tels que des tables et des armoires robustes et durables. Vous pouvez également y aménager un petit espace pour vos enfants, car les activités manuelles telles la poterie sont bénéfiques à leur développement.
Connaître la bonne argile
En poterie, l’argile est le matériau principal. Rien n’est formé sans elle. Les types d’argile utilisés à la maison sont en polymère, séchés à l’air ou cuits au four.
L’argile la plus pure est celle qui est restée sur le lieu où elle s’est formée. C’est l’argile primaire. La plus utilisée est le kaolin, l’ingrédient de base de la porcelaine.
L’argile non cuite a une forte capacité de rétention d’eau. Elle doit être cuite à une température supérieure à 600 ° C pour être durcie définitivement. La température de cuisson de l’argile détermine sa classification. Cuits en 2 temps :
– la faïence est obtenue à environ 900°C ;
– le grès entre 900°C et 1200°C ;
– la porcelaine entre 1200°C et 1300°C.
La glaçure vernit ensuite votre œuvre. Elle se vitrifie à la surface lors de la cuisson. C’est une couverte transparente sur les poteries vernissées et autres céramiques comme le grès ou la faïence fine. Lorsque la glaçure est plus opaque que la poterie ordinaire, on parle d’émail.
Posséder les bons outils
À la maison, vous aurez besoin d’outils. Vous n’avez pas besoin de tout avoir, mais ce qui compte, c’est d’avoir les outils de base.
- Le tour de potier est disponible dans les magasins en différentes tailles. Assurez-vous de choisir celui qui convient à votre espace et à vos besoins.
- Les nervures de lancer forment et lissent les pots au fur et à mesure qu’ils sont formés sur la roue. Elles sont particulièrement utiles pour creuser le centre d’un pot et présentées sous un assortiment de formes. Elles peuvent être en bois, en caoutchouc ou en métal.
- On utilise l’aiguille de potier pour couper, percer, marquer, etc. Solide et pointu, cet outil polyvalent demeure l’un des outils les plus importants du potier.
- Le fil de coupe est un fil super fin tendu entre deux poignets. Il sert à couper la base du tour.
- La cuisson a lieu dans un four spécial à température extrêmement élevée. Cette température est nécessaire pour fusionner les molécules entre elles. Comme les fours domestiques n’atteignent pas cette température, vous devez soit fabriquer ou acheter votre propre four, soit trouver un endroit à proximité pour faire cuire vos œuvres dans un four approprié.
De la fabrication de simples pots en spirale faits à la main à l’expérimentation d’émaux et de méthodes de cuisson complexes – c’est à vous de décider de la complexité de votre passe-temps. Si vous débutez, familiarisez-vous avec la poterie en vous inscrivant à un cours de poterie chez GRESCREATIONS, ou commencez lentement à la maison pour acquérir des expériences avec le kit de base.
Les œuvres d’art les plus célèbres du XXe siècle
Depuis des décennies, les œuvres d’art comme les sculptures ont beaucoup de valeur. Surtout celles du XXe siècle qui sont précieuses, coûteuses et célèbres. Voici quelques sculptures populaires du XXe siècle.
L’homme qui marche I
Cette œuvre est faite par un peintre suisse appelé Alberto Giacometti en 1960. Elle est en bronze et pèse lourd.
C’est un art moderne. Elle évoque un homme isolé qui a les pieds cloués sur terre. L’homme de la sculpture est libre d’aller où il veut, mais n’a pas vraiment de direction précise. Elle symbolise aussi l’humanité.
L’image de cette œuvre est inscrite sur les 100 francs des billets suisses.
Il existe 10 exemplaires de l’homme qui marche I et ils ont une valeur inestimable. L’une de ces statues est vendue au prix de 126,83 millions d’euros, en 2010. C’est devenu l’œuvre sculptée la plus onéreuse des ventes aux enchères de cette année.
L’Homme au doigt
Elle est faite par le même sculpteur que l’homme qui marche, c’est-à-dire par Alberto Giacometti. Elle est aussi connue sous le nom de « Pointing Man ». Elle a été créée en 1947.
Elle est aussi en bronze. Elle représente un homme fier et plein d’assurance et qui a le regard au loin.
Il en existe 6 exemplaires et ils coûtent très cher, atteignant les 141,3 millions de dollars chacun.
L’homme en mouvement
C’est une sculpture en bronze de Umberto Boccioni faite en 1913. Elle a plusieurs exemplaires, mais l’original est à São Paulo au Musée des arts contemporains.
Elle illustre un homme sans visage qui fait un pas en avant qui signifie la marche vers l’avenir. Elle évoque aussi le mouvement de la vie moderne. Les arts de Umberto Boccioni sont surtout des œuvres futuristes. De plus, la figure de l’œuvre présente un homme qui se métamorphose et se mélange avec une machine.
Ballon Dog
C’est l’œuvre de Jeff Koons qui est un artiste américain. Le Ballon Dog est un chien fait à partir de ballon. Cette sculpture est constituée principalement d’acier inoxydable.
Le premier exemplaire a été créé vers les années 1994. Il existe plusieurs couleurs de ce Ballon Dog comme le magenta, l’orange, le rouge et le bleu.
L’un de ces exemplaires se trouve à Versailles dans le Salon d’Hercule qui est de couleur magenta. Cette sculpture évoque l’enfance et le souvenir des ballons des foires. De plus, elle figure parmi les œuvres les plus chères, et dont le créateur est encore vivant.
Maman
Cette œuvre d’art est faite par Louise Bourgeois en 1999. Elle a été présentée pour la première fois à Londres dans le Turbine Hall de la Tate Modern.
Elle illustre une gigantesque araignée d’une hauteur de10m. Elle est faite principalement en bronze. Il y a aussi la présence de 26 œufs qui sont en marbre.
Elle est faite pour rendre hommage à la mère de sa créatrice. Cette sculpture a été exposée dans plusieurs pays comme France, Washington et même Chine.
La jeune fille sophistiquée (Portrait de Nancy Cunard)
C’est une sculpture en bronze créée par Constantin Brâncuși. Sa fabrication a débuté en 1928 et s’est terminée en 1932.
Elle illustre une femme avec une queue de cheval. Elle s’inspire de Nancy Cunard, une héritière anglaise et qui est aussi une militante politique. Elle est prise comme modèle, pour sa beauté et sa personnalité.
Cette œuvre est tellement unique. Elle représente plusieurs facettes comme les surfaces lisses qui se tournent, les arrondis rétrécissants et des lignes qui s’entremêlent pour former des courbes. Constantin Brâncuși fait ressortir la personnalité élégante de sa muse.
En 1955, un couple américain a acheté l’œuvre. Actuellement, cette œuvre fait partie des sculptures les plus chères au monde.
La peinture, un art intemporel
Depuis les peintures rupestres aux grandes expositions récentes, la peinture artistique n’a jamais cessé d’impressionner le monde. Cet art visuel permet de se souvenir de toutes les périodes de l’histoire de l’humanité. Même de nos jours, on est fasciné et on s’interroge encore de la qualité de ces œuvres. On l’enseigne également pour ne pas perdre un tel savoir-faire. Le terme désigne à la fois les tableaux que nous connaissons, mais aussi les œuvres décoratifs tels que l’on retrouve sur les anciens bâtis comme les maisons et les églises.
L’art de la peinture
Comme toutes les autres catégories, c’est un moyen d’exprimer une culture, au même titre que la poésie, la danse ou la musique. Son origine n’est pas précisément connue. Tout ce qu’on sait , est qu’elle existait depuis l’Antiquité. Toutefois, des traces de peintures rupestres ont été retrouvées dans certaines grottes comme en France datant de 20 000 ans et au Brésil de 10 000 ans. Elles représentaient vaguement des zébus, des félins et des chevaux.
Les œuvres sur toile ou sur les habitations n’ont pas, cependant, vues le jour que bien plus tard, notamment à la Renaissance. C’est durant cette période que la peinture a été classifiée parmi les 9 catégories d’art. Dans cette nomenclature, elle occupe la troisième place.
La peinture au Moyen Âge
Cette époque a marqué l’histoire de cet art par des changements radicaux de la pratique. Si avant, le concept consistait à tracer une silhouette sur les murs, le besoin de s’exprimer d’une autre manière a poussé les artistes à rechercher un coloris plus éclatant. Au 10 et 11ème siècle dans cette optique de recherche de la couleur, la peinture à fresque, à la colle et à l’huile est née.
La Renaissance, une étape importante pour cet art
L’époque de la Renaissance est d’une importance capitale pour la peinture. C’est, en effet, durant cette époque que les grandes écoles ont été créées, notamment en Italie, en France et en Allemagne. L’école florentine, en Italie, est à l’origine d’une amélioration remarquable dans les œuvres. Il s’agit de la netteté des tableaux, des lignes et une proximité plus prononcée avec la nature.
Au 15ème siècle, sont arrivés les grands peintres en Italie et le concept gagne la décoration architecturale. Cette nouvelle époque est surtout marquée par une technique plus performante rendant ainsi les œuvres beaucoup plus attrayantes, par le caractère correct du dessin et la qualité de la couleur.
Les techniques de peinture
Durant toute son évolution, plusieurs techniques ont vu le jour. Elles sont en général initiées par les grands peintres de chaque époque.
Le réalisme ou le naturalisme
C’est une technique d’expression qui consiste à représenter la nature et le matériel. Il a surtout été utilisé en l’an 1800 et servait à trouver un équilibre entre ce que le peintre veut exprimer et le moyen pour y parvenir. Il est, cependant, très critiqué à cause de la façon de représenter la réalité. Après quelques années, il sera amélioré et remplacé par une autre plus moderne.
L’impressionnisme, une technique influente
Directement dérivée du naturalisme, elle met en avant les détails, notamment les nuances de couleurs, les ombres et les éclairages. Elle a considérablement influencé tous les artistes-peintres du monde et les techniques qui l’ont suivi.
Plus tard, une nouvelle manière de peindre a vu le jour. Il s’agit du Néo-impressionnisme qui était fondamentalement la même que son prédécesseur à la différence d’une meilleure précision. Malgré une certaine célébrité , cette technique a vite connu ses limites et les peintres contemporains ont préféré opter pour l’expressionnisme mettant en avant les couleurs plus que les nuances.
S’initier dans la peinture
Plusieurs écoles proposent des formations de peintures artistiques. Pour un apprenti peintre, l’essentiel est de connaître toutes les techniques afin de choisir celle qui correspond le mieux à ce qu’il veut exprimer. Il pourra également commencer par des exercices simples, comme la toile grâce à des guides de préparations faciles.
L’artisanat – Définition et caractéristiques
Pour la plupart d’entre nous, le terme artisan suggère que le fabricant est hautement qualifié et a créé son produit avec une attention aux détails et un sens de la beauté. Idéalement, le produit devrait également contenir une marque de qualité là où le toucher de la main humaine a fait la différence.
Aussi satisfaisants que ces critères puissent paraître, ils ne nous mènent que si loin. En fait, utiliser le mot « conçu » pour impliquer un savoir-faire, comme le font de nombreuses entreprises aujourd’hui, est quelque chose de trompeur. L’artisanat, au sens le plus large du terme, est un mode de vie. Il s’agit d’engager pleinement nos têtes, nos mains et nos cœurs dans nos travaux. Il s’agit d’adhérer à un ensemble de valeurs et de principes qui produisent des objets qui sont non seulement fonctionnels et beaux, mais qui contribuent également à un mode de vie durable.
Si on doit caractériser le fait d’être artisan, cela peut se présenter comme suit :
– Un artisan doit être motivé par la maîtrise plutôt que par l’obtention d’un statut.
– Un artisan est prêt à faire des sacrifices en matière de finances, de temps libre et de relations.
– Un artisan doit croire en la valeur finale de ce qu’il crée.
– Un artisan doit savoir équilibrer une passion pour l’histoire et la tradition avec une volonté d’innover.
– Un artisan doit toujours planifier et réfléchir avant d’entamer une tâche.
– Un artisan doit s’immerger dans sa tâche et se concentrer constamment sur son travail.
– Un artisan doit faire en sorte que ses heures de travail deviennent une habitude de la vie quotidienne.
– Un artisan doit être continuellement à la recherche de nouvelles perspectives.
Aujourd’hui, l’artisanat est aussi pertinent, sinon plus, que jamais. C’est une façon de penser et de faire où l’humanité est en phase avec la nature, et non contre elle. Cela mène à un monde construit pour durer. Le souci commun dont nous devons avoir c’est de trouver quelque chose que nous devons faire pour résoudre les problèmes difficiles auxquels nous sommes confrontés aujourd’hui, dans notre environnement, dans nos emplois et dans nos relations humaines, à la fois ici au pays et dans le monde.
Que fait réellement un artisan ?
Ils ne travaillent pas pour l’argent
Il est à noter que quelques artisans étaient devenus riches grâce à leur métier, mais ce n’est pas un cas généralisé, au contraire, il est assez rare de voir un artisan s’enrichir de sa passion. Pourtant, tous ont dit que s’ils avaient commencé leur carrière en se souciant de bien gagner leur vie, ils n’auraient jamais investi le temps qu’il faut pour devenir suffisamment bon pour bien vivre.
Si ce n’est pas pour de l’argent, alors quoi ?
À maintes reprises, ces artisans ont parlé d’un sentiment qu’ils ressentent lorsqu’ils donnent le meilleur de leur talent. Comme de grands athlètes dont l’esprit et le corps travaillent en synchronisation, les bons artisans entrent dans une « zone ». Les heures semblent passer en quelques minutes. Ils décrivent même la sensation comme « addictive ».
Les outils ne font pas l’artisan
Il se peut qu’il existe des magasins pleins de beaux outils qui permettent de produire des œuvres en une quantité considérable, mais dont la qualité laisse à désirer, tandis que certains artisans travaillent avec des outils assez humbles tout en réalisant un travail magnifique. La créativité, selon eux, est le seul outil irremplaçable.
Les compétences ne font pas non plus l’artisan
Cela peut sembler étrange, mais l’auteur explique que, comme le grand saxophoniste de jazz Charlie Parker a conseillé à un musicien débutant de pratiquer les gammes toute la journée, tous les jours pendant une décennie, puis de les oublier. Les compétences mécaniques doivent devenir une seconde nature.
En d’autres termes, n’importe qui peut passer une décennie à apprendre la mécanique d’un métier. Mais au final, il ne sera jugé que sur la musique qu’il fait à partir des gammes qu’il a apprises.
Le travail est une loi naturelle
Le fil conducteur est une croyance en l’importance de préserver les méthodes traditionnelles, de transmettre un respect de l’excellence, de ressusciter une niche dans l’histoire… tout cela se conjugue pour « transformer le mécanicien d’artisan en artiste ».
L’image est importante
L’image de cet artisan régulier, travailleur mais pas trop brillant était probablement toujours un mythe, une mauvaise presse de penseurs dénigrant ceux qui se salissaient les mains.
Ils ne peuvent pas se reposer sur leurs lauriers
Les bons artisans sont obligés de faire leur travail différemment chaque fois qu’ils le font. Ce n’est pas seulement un engagement à s’améliorer constamment, c’est plutôt une obsession psychologique.
La perfection n’est pas le but
Bien que cela puisse sembler étrange, on doit penser que les artisans ne s’attendent pas à atteindre la perfection. Pourtant, ils s’efforcent d’approcher la perfection, de la concevoir, de la viser, puis de maîtriser les possibilités et les limites des outils et des matériaux…».
L’amour des matières premières est toujours frais
Qui sait pourquoi, mais les bons artisans se souviennent toujours de la beauté de leurs matières premières. C’est comme voir l’homme ou la femme que vous aimez pour toujours jeune.
Apprendre l’art, c’est possible
On ne naît pas artiste, mais on le devient. Pas systématiquement. Mais dans la classification, il y a des domaines qui peuvent facilement s’apprendre. L’art est, dans sa première définition, un moyen d’expression inscrit dans des domaines spécifiques. L’apprentissage de l’art passe inévitablement par la familiarisation avec ces domaines. Une certaine manière de voir est, cependant, nécessaire pour permettre de comprendre, d’une manière générale, ce monde fabuleux. Il est possible d’acquérir cette vision en consultant des ouvrages qui traitent le sujet.
Classification de l’art
Depuis l’Antiquité une multitude de classifications ont été mises en place afin de catégoriser les œuvres des différents artistes. Au 19ème siècle, cette catégorisation se fait en fonction des matériaux et de la nature des œuvres. Plusieurs écrivains et philosophes ont tenté de classer les arts en fonction de leurs moyens d’expressions. L’architecture, la sculpture et la peinture font parties des arts matériels moins expressifs, contrairement à la poésie ou à la musique, moins matériels.
Ce n’est qu’au 20ème siècle que la classification est achevée. Quatre domaines ont été rajoutés pour former les neuf catégories que nous connaissons. Ce sont, bien évidemment, des domaines majeurs qui sont classifiés de nos jours.
La dimension humaine de l’art
C’est une forme d’expression utilisant plusieurs techniques et souvent le langage, mais surtout la raison et l’intelligence. L’art est propre à l’être humain. Pour s’initier dans le domaine, il est indispensable de fréquenter des personnes qui œuvrent dans le domaine. Ces contacts peuvent être écrivains, poètes, musiciens, peintre, etc. Dans tous les cas, elles sauront vous guider et vous conseiller afin de trouver le déclic qui pourrait vous amener à pratiquer une discipline.
L’art est universel
Malgré la variation des expressions culturelles et artistiques, l’art est fondamentalement universel. Cela signifie qu’il présente les mêmes valeurs, peu importe le pays. Il est présent dans toutes les cultures du monde et les peuples expriment fondamentalement la même chose avec des moyens différents.
Une connaissance littéraire est indispensable
Pour commencer, il est primordial de bien connaître la discipline dans laquelle on projette. Se documenter de temps en temps sur le sujet permet de cerner les bases de l’art choisi.
Dans le cas où le choix n’est pas encore fait, les revues de littérature peuvent aider à choisir le domaine dans lequel œuvrer. Les disciplines de l’art sont nombreuses et peuvent dériver plus ou moins largement de leurs origines, c’est-à-dire, des catégories majeures.
Entretenir une bonne habitude de lecture est indispensable pour celui ou celle qui veut devenir écrivain. Dans ce cas, la connaissance de plusieurs thèmes, de plusieurs sujets et de plusieurs techniques serviront à former vote propre style.
S’initier dans l’architecture ?
Le premier des arts majeurs, l’architecture revêt une apparence plus moderne, technique et moins artistique. S’initier dans le domaine nécessite une formation de plusieurs années dans les institutions spécialisées dans le domaine.
La sculpture
C’est un domaine assez spécifique. À la différence de l’architecture, il ne nécessite pas forcément une formation, mais une maîtrise des outils et du concept de sculpture. Cette discipline est très diversifiée selon les cultures. Les travaux dépendent de l’essence de bois à travailler et du résultat souhaité. Les artisans sculpteurs descendent, généralement, d’un savoir-faire ancestral qui se transmet de génération en génération. Cependant, s’initier dans le domaine ne relève pas de l’impossible. Seulement, il est nécessaire de connaître les différentes origines des sculptures, leurs significations et leurs histoires.
La peinture et le dessin
Les arts-visuels se déclinent en plusieurs variations et il y en a de toutes les couleurs. La peinture et le dessin font partie de la troisième catégorie. La peinture est l’une des disciplines les plus âgées de l’histoire. Les anciens hommes peignaient déjà une partie de leurs quotidiens sur les parois des grottes. À travers les années, les œuvres des grands peintres continuent de fasciner et d’inspirer des générations entières, et même jusqu’à nos jours.
Dessiner et peindre de nos jours se fait plus facilement qu’autrefois. En effet, grâce au progrès technologiques, plusieurs supports peuvent être utilisés pour peindre et dessiner.
De nos jours, les arts visuels incluent également la bande-dessinée, les arts médiatiques et le cinéma, le fameux septième art. Ce dernier est devenu une industrie importante et s’initier dans le domaine nécessite une longue formation. Il a évolué en parallèle avec la technologie de production et de diffusion des images, notamment l’internet avec le streaming.
La musique, la poésie et les arts de la scène
Quelques-unes des variétés les plus distinctives, elles vont au-delà de la matière et touchent directement la cognition. La poésie et la littérature usent des mots afin d’exprimer une réalité d’une manière plus ou moins originale. Produites sur scène ou dans un autre contexte, elles renferment une certaine beauté qui fascine les esprits et qui fait l’objet de cet art.
Non loin du contexte, la musique combinée souvent avec les talents sur scène est un moyen d’expression très prisé. La notation musicale est universelle, mais elle se décline en un nombre infini de rythme et de mélodie selon les cultures, les peuples et les époques. Faire carrière dans la musique requiert plus que l’apprentissage d’un instrument, même si c’est un passage obligé. Il est, en effet, nécessaire de connaître l’essence d’une musique en particulier pour en parfaire l’apprentissage.
Je veux apprendre l’art, mais comment faire ?
La question du jour est la suivante : « Je veux en savoir plus sur l’art, mais je ne sais pas par où commencer ? Que dois-je faire ? Que puis-je lire ? À qui dois-je parler ? »
Dans cet article, nous allons répondre le plus explicitement possible à cette question en apportant des éclaircissements sur l’art en général et ce qu’il faut savoir.
L’interaction humaine : une base de l’apprentissage
L’un des meilleurs moyens d’apprendre est de parler de l’art. D’abord parmi vos amis, puis plus tard avec des artistes, des conservateurs, des écrivains, des érudits, des publics, etc.
Trouvez quelques personnes avec lesquelles vous pouvez vous entraîner, même si vous n’avez pas d’intérêts communs, mais à condition qu’ils veuillent bien vous rejoindre. Ensemble, vous devriez fréquenter les galeries et les musées, ainsi que les vernissages d’expositions. Aller seul à ces choses-là peut être intimidant et un ami peut faire la différence. Vous vous sentirez plus à l’aise et ouvert à regarder différentes choses. Après vos excursions, discutez entre vous de ce que vous avez vu et vécu. C’est très important pour pouvoir exprimer et partager des opinions.
La communication à un plus haut niveau
La prochaine étape : participez aux discussions sur l’art, mais encore une fois, avec un ami ou deux. Il devrait être facile de s’inscrire sur des listes d’invitations par courrier électronique. Après ces événements, discutez entre vous de ce que vous pensez. Si le cœur vous en dit, posez des questions. Si vous êtes trop timide pour parler en public, adressez-vous aux artistes en privé. Commencez à parler avec des professionnels de l’art. Demandez-leur de prendre un café pour parler davantage de leur travail. Dans le domaine de l’art, tout le monde n’est pas amical. Mais c’est également valable dans tous les domaines. Cependant, vous trouverez de nombreuses personnes, comme un artiste-peintre à Vanves, généreuses et heureuses de partager leur propre expérience et leur savoir-faire.
La documentation : une étape incontournable
La première série de stratégies consiste à vous immerger dans votre communauté artistique locale : rendez-vous dans des espaces artistiques, assistez à des événements artistiques, rencontrez des professionnels de l’art et participez à la conversation avec la communauté.
Le deuxième ensemble de stratégies concerne la lecture. Les magazines, les revues, les sites internet et autres supports vous seront d’une grande utilité pour comprendre le domaine.
Quelques points sur la lecture
Il est surtout recommandé de beaucoup lire : notamment les biographies d’artistes, ainsi que des livres populaires comme « Les sept jours dans le monde de l’art » de Sarah Thornton.
Certains livres d’histoire de l’art sont intéressants, mais difficiles. Cependant, un certain nombre d’historiens de l’art ont également écrit des livres plus accessibles.
Ne vous inquiétez pas si vous avez du mal à comprendre certaines choses. L’essentiel est de persévérer. Tous les livres sur l’art ne sont pas bons, mais il est toujours bon d’apprendre par essais : lire des livres qui ne nous intéressent pas fait partie de toute éducation.
Trouvez des amis pour discuter de vos lectures. Lorsque vous rencontrez et discutez avec des artistes du monde de l’art, demandez-leur des recommandations de lecture, qu’il s’agisse de livres, de sites Web ou simplement d’articles et d’essais. Afin de vous faciliter la tâche, tenez des fiches de lecture ou un journal où vous noterez l’essentiel à retenir.
Que fait un artiste exactement ?
Nous allons prendre l’exemple de MADELEINE GUERIN-SCHIETSCH, une artiste plasticienne implantée à Vanves dans les Hauts-de-Seine. Dans le domaine de la peinture depuis plus de 30 ans, elle a parcouru progressivement toutes les techniques, allant de la peinture à l’huile à l’acrylique. Une évolution technique qui démontre l’activité incessante de la vie d’artiste, poussée par une inépuisable inspiration.
Pour conclure, il ne s’agit ici que de quelques suggestions pouvant vous amener à comprendre le monde de l’art. Le meilleur moyen d’apprendre est de pratiquer, ou du moins, de suivre avec attention ce qui se passe.
5 bonnes raisons de se passionner pour le dessin et la peinture
Le dessin et la peinture figurent parmi les activités artistiques accessibles à tout le monde. En effet, il suffit d’avoir un crayon, un pinceau et un papier pour s’adonner à un loisir créatif. Les petits comme les grands trouvent dans ces arts de quoi développer et perfectionner leurs talents. Peindre et dessiner réservent autant de plaisirs, mais d’autres raisons amènent les passionnés à pratiquer ces arts de façon ludique ou professionnelle. Comme la plupart des activités artistiques, la peinture et le dessin aident à :
Améliorer la créativité
Le dessin et la peinture figurent parmi les activités artistiques que nombreux chercheurs recommandent de pratiquer dès la petite enfance. Faisant appel à l’imagination, toute pratique occasionnelle ou régulière stimule et améliore le développement du cerveau. Même le gribouillage donne à un enfant l’occasion de libérer sa créativité. Chez les adultes, la pratique du dessin et de la peinture ne se limite pas à la représentation des idées sur un support, mais contribue à améliorer l’esprit critique.
Entretenir la mémoire
La peinture et le dessin font travailler le cerveau par le biais de la réflexion et de l’imagination. Ainsi, ce sont des activités pouvant entretenir les facultés mémorielles de manière significative. D’ailleurs, la pratique de ces deux activités artistiques est souvent préconisée pour traiter certaines pathologies touchant la mémoire et les fonctions intellectuelles. Les personnes atteintes de la maladie d’Alzheimer trouvent, par exemple, dans la peinture et le dessin un bon moyen de recouvrer la mémoire.
Libérer le stress
S’adonner à un art est une bonne échappatoire pour évacuer le stress. La pratique du dessin et de la peinture fera passer de l’appréhension vers l’enthousiasme et de la préoccupation vers le plaisir. Le fait de tenir un crayon ou un pinceau et de jouer avec les couleurs aide à changer les idées. Pour se détendre après une journée éreintante, la pratique du dessin et de la peinture reste le meilleur choix pour évacuer rapidement les pressions.
Retenir des émotions positives
Le fait de peindre et de dessiner laisse place aux pensées positives. En effet, pour représenter les formes et les couleurs sur un support, l’artiste fait appel, non seulement à son imagination, mais également à ses capacités à produire de bons résultats. La pratique de ces activités artistiques aide l’individu à cultiver l’optimisme et à avoir l’estime de soi. S’adonner à la peinture et au dessin se révèle ainsi un bon moyen de détendre le corps et l’esprit sans chercher loin.
Cultiver le souci des détails
Comparés aux personnes qui n’ont pas un intérêt particulier à pratiquer une discipline artistique, les peintres, les décorateurs, les graveurs et les artistes en général ont des facultés d’attention plus développées. La principale raison est qu’ils sont plus réceptifs aux détails de son environnement : lumière, obscurité, ombre, couleur, etc. Le souci des détails rend chaque œuvre unique et original. Ainsi, avec la pratique, le souci des détails devient une seconde nature chez l’artiste parce que le cerveau ne cesse de développer ses capacités de concentration.
Le dessin et la peinture sont des disciplines artistiques épanouissantes à tous les niveaux. La meilleure façon de réveiller les talents d’artiste chez un individu se trouve dans l’apprentissage. Le mieux serait d’apprendre et de pratiquer aux côtés d’un artiste. Une passionnée de la peinture et de la gravure, l’artiste Madeleine Guérin-Schietsch, aime partager son savoir-faire. Son atelier mérite le détour parce qu’elle y propose des créations unique. Depuis plusieurs années, l’artiste enseigne la peinture, le dessin et le modelage à toutes les classes d’âge. N’hésitez pas ainsi à demander ses services afin d’apprendre de nouvelles techniques et affiner votre pratique.